Romanticismo       

A comienzos del siglo XIX el Romanticismo se traduce en una gran libertad compositiva, desarrollándose en profundidad las formas musicales firmemente establecidas en el período clásico (sonata, cuarteto de cuerda, concierto o sinfonía), a la vez que nacen nuevas formas, caracterizadas por su menor rigidez estructural (lied, poema sinfónico, etc.) En la época romántica abundan los grandes genios musicales, como Beethoven, Schubert, Schumann, Chopin, Wagner, Weber o Liszt, muchos de ellos famosos además por su virtuosismo como intérpretes.

    El romanticismo en general abarca todo el siglo XIX aunque con anterioridad, ya con Beethoven se empiezan a percibir características que van perfilando este nuevo periodo.

    Puede decirse que la transición del Clasicismo al Romanticismo se produjo sin brusquedad, como si éste fuera el resultado de la evolución natural del estilo clásico.

La música en este período busca la espontaneidad, la exuberancia y la pasión, a diferencia del clasicismo, en que se busca la serenidad, la claridad, el equilibrio, la mesura y la calma.

 En este período se observan tres hechos musicales muy importantes

Los compositores de este periodo, encontraron una situación histórica y cultural más favorable que les permitió dotarse de un bagaje cultural más amplio

El músico se liberó de la dependencia de componer o interpretar para la iglesia o para algún que otro príncipe o valedor. Asimismo, la burguesía se emancipó, las ciudades incrementaron su población considerablemente.

En consecuencia, la afición por las actividades culturales en general y la música en particular hizo aumentar considerablemente la demanda de música y de intérpretes.

Esto amplió el abanico de posibilidades para que los músicos pudieran ejercer su arte con mayor independencia y con mayores posibilidades de éxito.

Características

* Una expresión de emociones y sentimientos más intensa y personal, con gran participación de la fantasía y la imaginación.

*Mayor libertad en cuanto a la forma y el diseño de la música; obras estructuradas sobre extensos períodos de tiempo.

* Las melodías, bien sean tiernas o bien apasionadas, se hacen más líricas y más similares a las de una canción; las armonías se enriquecen, a menudo con cromatismos, disonancias y modulaciones rápidas y aventuradas.

* Las texturas musicales se hacen más densas y pesadas, explorándose un registro más amplio en cuanto a alturas, dinámicas y timbres, a menudo con contrastes profundamente dramáticos.

* El registro y el tamaño de la orquesta se expanden, a veces hasta llegar a proporciones inmensas. La sección de metales, cuyo registro y flexibilidad se han visto incrementados a causa del invento del sistema de válvulas o pistones, adquiere mayor importancia y a menudo domina la textura.

* Una variedad grande y rica de tipos de composición -desde obras para un solo instrumento o para un pequeño grupo de éstos (piezas para piano, canciones, música de cámara), hasta trabajos que exigen una cantidad enorme de músicos y estructurados con clímax dinámicos y dramáticos espectaculares.

* Los vínculos más cercanos con las demás artes y literatura dan lugar a un interés más genuino en la composición de música programática (poema sinfónico, obertura de concierto y sinfonía programática).

* A veces los compositores dan unidad y forma mayores mediante el uso de temas y motivos que se repiten, a menudo transformados en cuanto a su carácter y el sentimiento que conllevan al reaparecer, como por ejemplo la transformación temática de Liszt y el leitmotiv de Wagner.

*Mayor virtuosismo técnico -especialmente para pianistas y violinistas-, que se explota especialmente en conciertos.

Sus principales exponentes:

• Alexander Nikolayevich Scriabin, 1872-1915.

 

 

 

 

 

 

 

 

• Anton Bruckner

 

 

 

 

 

 

 

Antonin Dovrak,1841-1904.

 

 

 

 

 

 

 

• Arthur Seymour Sullivan , 1842-1900.

 

 

 

 

 

 

 

• Beethoven, 1770-1827.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

• Edvard Grieg, 1843-1907

 

 

 

 

 

• Gustav Mahler , 1860-1911.

 

 

 

 

 

 

 

• Hector Berlioz , 1803-1869.

 

 

 

 

 

 

 

• Johannes Brahms, 1833-1897.

 
 

 

 

 

 

 

 

 

• Richard Strauss, 1864-1949.

 

 

 

 

 

 

 

• Richard Wagner,1813-1883.

 

 

 

 

 

 

 

• Chopin, Frédéríc 1810-1849

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Beethoven - Para Elisa

 

Beethoven - Symphony No. 5 (FULL

 

Etude in E major (Chopin) Violin and Piano version

Chopin - Nocturno en mi bemol mayor Op 9 Nº 2

 

Richard Wagner - El Holandés Errante (Obertura

 

Wagner-El Ocaso de los Dioses

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Periodo clásico

Normalmente en música entendemos por clasicismo, el corto periodo que va desde 1770 a 1810.

Música clásica se dice en general para todos los períodos de la música culta europea, pero las primeras composiciones llamadas clásicas fueron las de este período.

Lo que define a esta música, es excluyente. Se trata de aquella que no es popular ni folklórica. Es hecha por pocos, con la idea de que la gusten muchos, pero estos no lo son tanto. Sus autores y ejecutantes han estudiado una larga carrera en escuelas especiales que se llaman conservatorios, y sus oyentes, en general, han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que después puede cultivarse. Requiere de cierta iniciativa personal para llegar a ella. Lo que es definitivo, es que ha trascendido las fronteras del tiempo y el espacio. Es universal. Y aquí podría meditarse si lo es por su belleza o por su mensaje. Probablemente sea por esto último, porque la música clásica ha evolucionado en forma paralela al pensamiento occidental. Esta es su característica más notable: No es estática, está en un continuo recambio de formas y modos, buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión. Esto no sucede en la música de otras culturas.

Aparte de las limitantes de no ser folklórica ni popular, la música clásica está confinada a un ámbito geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Hay también una limitante temporal. Con el término de música clásica nos referimos a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa postrenacentista. Algunos instrumentos surgen en este periodo, como el piano-forte; el

Arpeggione y el clarinete. Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos cambian y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y de composición de la época. Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: viola da gamba, clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo XX), bajón, laúd, etc. El fortepiano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos solistas. Esto se profundiza aún más en el Romanticismo, con la aparición del pianoforte romántico.

Este es un periodo clave también para la orquesta porque aquí se configura claramente la Orquesta Sinfónica como tal, por influencias mayormente de Mozart y Haydn. De la orquesta de cámara heredada del barroco, en donde se mantiene la sección de cuerdas, aunque esta es ampliada en número. Se abandona la práctica del bajo continuo, y con ello el clavecín en la orquesta. Así también queda claramente establecida la sección instrumentos de madera (madera y metal es por la clase de boquilla de los instrumentos originales, no por el material en sí del instrumento) a 2, esto es 2 flautas traveseras, 2 oboes, 2 clarinetes y 2 fagotes. Además de los de metal: 2 trompetas, entre 2 y 4 trompas y ocasionalmente 1 trombón.

 

 La música del clasicismo evoluciona hacia un extremo equilibrio entre armonía y melodía. Compositores muy famosos son Haydn, Mozart y el primer Beethoven

 

Cualidades que definen la música clásica

•          Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.

•          Para ello la melodía toma una importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta música, la melodía es el alma de la música clásica. Para encontrar estas melodías se va a recurrir a la música popular, música folklórica.

•          Estas melodías se construyen de tal forma que reflejan esa perfección, con frases de ocho compases (divididas en dos períodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (ocho mas ocho) o de seis (tres mas tres). Es decir se crean unas melodías enormemente regulares.

•          Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía.

•          Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, éstos sólo se usan cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión; esta es una de las razones por lo que la música clásica aparece como algo alegre, brillante y claro.

•          El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento.

•          La música clásica tendrá como ideal el crear algo puramente bello, es decir, una música que no sirva a ninguna finalidad fuera de si misma, por ello que no intente servir, representar, imitar, que sea un arte que se sostenga por si mismo, sin propósitos concretos.

•          La norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, y por ello simboliza al hombre como ser armónico y sin problemas.

•          Por fin el Clasicismo ayudado de los ideales de la Revolución Francesa va a conseguir extender la música a la mayor cantidad posible de público, que desde ahora va a comenzar a valorar en toda Europa enormemente la música.

Las formas musicales del clasicismo

Sonata (del italiano suonare, 'sonar'), composición musical para uno o más instrumentos. el término sonata ha sido utilizado generalmente para las obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano (solista) o con la sonata para violín (para violín con un instrumento de teclado).

Sinfonía, en música, composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los interludios instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la 'Sinfonía pastoral' del oratorio El Mesías (1742) de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo XVIII.

La sinfonía es como una gran sonata para orquesta cuyo origen está en la Obertura de la ópera que tenía tres movimientos y en los experimentos instrumentales de la escuela italiana del norte, la escuela berlinesa y vienesa y la de Mannheim, que se convierten en centros de actividad sonatistica y sinfónica desde 1750 y en la que destacan compositores como Giovanni Sammartini y Johan Christian Bach. En el siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general de sonata que hemos visto:

1º Allegro

2º Adagio o Andante

3º Minuetto o Scherzo

4º Allegro Finale o Rondó

Cantata, en música, composición vocal con acompañamiento instrumental. La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio

Ópera, drama en el cual se canta todo o parte del diálogo y que contiene oberturas, interludios y acompañamientos instrumentales

•          Johan Helmich Roman

 

 

 

 

•          Mannheimer Schule

 

 

 

 

 

 

•          Tromlitz, Johann George, 1725-1805.

 

 

 

 

 

 

•          W. A. Mozart 1756-1791

 

 

 

 

 

 

 

 

Algunas canciones son:

 

W. A. Mozart - Symphony No. 41 "Jupiter" in C major (Harnoncourt)

 

Mozart - Symphony No. 40 in G minor, K. 550 [complete]

 

 

 

 

 

 

El preclásico o barroco

Los límites del estilo barroco en música se suelen situar entre los años finales del siglo XVI, momento del inicio de los experimentos musicales que culminarán en Monteverdi, y 1750, fecha de la muerte de Johann Sebastian Bach, último gran defensor del estilo frente a las primeras voces críticas que proponían nuevas soluciones y que llevarían al triunfo del Clasicismo. Evidentemente, un estilo que impera durante siglo y medio no puede dejar de sufrir modificaciones y evoluciones. En el caso del barroco, pueden distinguirse sin embargo varios elementos básicos que permanecen a pesar de las diferencias: el empleo del bajo continuo y el estilo concertante, que consiste en el enfrentamiento de varios grupos vocales o instrumentales compuestos por diferente número de intérpretes y a veces por diferentes instrumentos, siempre con el bajo continuo como base armónica. Junto a ello es preciso señalar el progresivo abandono de la armonía modal en favor de las escalas mayor y menor que se emplean hasta la actualidad. Asimismo, la progresiva dificultad de las composiciones hizo necesario el nacimiento del compás, que divide el tiempo en partes iguales.

El Barroco marca la primera etapa de la independencia de la música instrumental respecto de la vocal. Si hasta este momento la música podía ser cantada o tocada indistintamente, a partir del Barroco comienza a componerse música expresamente para instrumentos, y a especificarse la familia e incluso el número concreto de ejecutantes, de modo que el contraste entre grupos grandes y grupos pequeños quede claro. Es también el período en el que comienzan su andadura la mayor parte de los géneros que han llegado hasta nosotros. Además de los géneros instrumentales (de entre los que destacan la sonata, el concierto y la suite), la ópera y el oratorio se convierten en espectáculos habituales a lo largo del siglo XVII debido, por un lado, al gusto de la realeza, la aristocracia y el estamento eclesiástico por el espectáculo y, por otro, a la creciente importancia del público ciudadano que asiste a las representaciones de ambos géneros.

Por lo general, se admiten tres etapas en el desarrollo del barroco musical: barroco temprano, barroco medio o pleno y barroco tardío, que sólo se pueden fechar de forma aproximada

•          El barroco temprano (1580-1630) se originó en Italia en los últimos años del siglo XVI como consecuencia de una evolución dentro de la música del Renacimiento. El nuevo estilo cuajó hacia 1600 gracias a la obra de compositores como Claudio Monteverdi o Giulio Caccini, cuya obra Le Nuove Musiche (La Nueva Música) tiene un título revelador del deseo de basarse en planteamientos nuevos. En la implantación de este nuevo estilo fue fundamental el desarrollo de la imprenta, que permitió una mayor y mejor difusión de la obra de estos autores.

•          El barroco medio o pleno (1630-1680) se caracteriza por la creación del bel canto (en italiano bello canto), que es aplicado primero a toda la música vocal, para pasar sus procedimientos posteriormente a la instrumental, y que logra en esta etapa un desarrollo notable. El estilo belcantista, como el recitativo, surgió dentro de la ópera.

Principales exponentes

 

• Johann  Sebastian Bach, 1685-1750.

 

 

 

 

 

 

 

• George Frideric Handel, 1685-1759.

 

 

 

 

 

 

 

• The Heinrich Schütz, 1585-1672

 

 

 

 

 

 

 

• Antonio Vivaldi

 

 

 

 

• Johann Pachelbel

 

 

 

 

Algunas composiciones de estos músicos son las siguientes:

 

Bach Cello Suite No 1 Prelude in G Major

 

 

Violin-Pachelbel Canon in D major

     

 

Pagagnini - Pachelbel's Canon in D

  

Händel Messiah - Hallelujah Chorus